Hace una semana vi la última entrega anual que nos presenta con puntualidad suiza Woody Allen: “Vicky Christina Barcelona” y la verdad es que ha supuesto una desilusión en toda regla. Reconozco que siempre he sido un fan irredento de las películas de Allen (e incluso de sus libros hilarantes), pero ésta última no está ni muchos menos a la altura de sus grandes obras. La verdad es que me molesta cada vez más que en todas sus películas desde hace algunos años siempre retrate entornos de gente muy rica. No he visto ninguna referencia a este hecho, pero me parece significativo y bastante empobrecedor. Y además, también encuentro bastante sonrojante el retrato tan ligero, e incluso ignorante, que dedica a Barcelona y a la cultura catalana y española en general. Es grave que un director tan intelectual como Allen no se moleste en documentarse mínimamente sobre la cultura en la que inserta un film. Su retrato resulta así más bien un folleto turístico de Barcelona para turistas americanas en busca de “experiencias mediterráneas”, impresión que se refuerza con el desenlace. Me parece que muestra demasiados tópicos sobre España, aunque muy diluidos (el amor apasionado y también “peleado” de los dos personajes españoles, un poco a la italiana o a la Bodas de sangre), frente a la “madurez” de los personajes americanos, que al final, muy al final, recuperan la cordura, se dejan de pasiones mediterráneas descontroladas y se vuelven a Nueva York, a quedarse en su confortable hogar (sé que se trata de un resumen demasiado simplificador, pero creo que se trata del discurso de fondo imperante en la película). Entretanto, se nos ofrece una investigación del amor en clave de comedia que se me queda corta en demasiados momentos: por ejemplo, en el cambio de actitud de Christina al abandonar a Juan Antonio y María Elena, y en la resolución de la escena final, con María Elena disparando a diestro y siniestro para que Vicky se dé cuenta de que debe abandonar esa historia y volver a su casa. Respecto a los actores, Penelopé Cruz y Rebecca Hall están muy bien, sobre todo Penélope en un papel con muchos matices. Bardem y Johansson sólo están correctos. En resumen, un pequeño fracaso algo decepcionante, dado lo que se espera del autor.

A esta complejidad que se me antoja un poco vacía, en este caso, a este constructo que corre el peligro de derrumbarse se opone la sencillez de “Una palabra tuya”, que me ha sorprendido agradablemente (¿Por qué? - Pues porque no me esperaba que un tema tan aparentemente cotidiano pudiese dar el juego que da en la película de González-Sinde y también en la novela de Elvira Lindo - Un prejuicio, lo reconozco). El film me parece sólido en su retrato de dos mujeres jóvenes, dos chicas humildes “de barrio” que se enfrentan a sus muchas dificultades de modos muy diferentes. El personaje de Milagros (Esperanza Pedreño) es un hallazgo, por personal, original y además divertido. También resulta en ocasiones patético y refleja una personalidad con tendencia a actuar fuera de la realidad, pero por ello, también es humano y creíble. La labor de González-Sinde ha sido adaptar de forma admirable la historia de la novela situando la cámara con una discreción y sensibilidad destacables. Una lección que debería haber aprendido, precisamente, Allen. Quizás sólo pueda aducírsele que resulte un retrato limitado a las “pequeñas cosas, las “vidas cotidianas” de personajes que pasan muy anónimamente por la vida, pero esas personas forman la corriente mayoritaria de la vida y, sin embargo, existe el perjuicio de que sus peripecias no tienen interés para las obras de arte. Elvira Lindo ha demostrado que no no tiene por qué ser así.

Otra noticia, una buena noticia, viene a complementar mi post sobre Guillermo Arriaga y “The burning plain”, su último trabajo. Entonces me felicitaba por que Arriaga, después de su tumultuoso divorcio artístico de González Iñárritu, volviese a crear. Ahora quiero hacer lo mismo con Iñárritu. Acaba de anunciar el rodaje de un nuevo film, titulado “Biutiful”, con Javier Bardem como protagonista. Espero que Iñárritu también consiga superar esta separación sin pasar por una crisis creativa y que nos regale una obra a la altura de “Babel”. Además, será muy interesante comparar ambas obras a la luz de la trilogía conjunta (”Amores perros”, “21 gramos” y “Babel”) y emprender el ejercicio de analizar los elementos que podrían corresponder (siempre será una actividad condicional) a cada uno de los autores: guionista y director. Esta clase de juegos siempre resultan muy esclarecedores. No se trata de un juego sin sentido (aunque bien pensado, ¿por qué no jugar simplemente por placer, sin buscarle necesariamente el trasfondo?), sino de encontrar las claves de una colaboración, las reglas ocultas de una creatividad compartida. Seguiremos esperando a las obras.

Por último, no quería dejar de comentar la noticia de que Christopher Nolan no filmará una tercera parte de Batman si no tiene un buen guión, según sus propias palabras. No puedo estar más de acuerdo con esta actitud hacia el cine. Sus guiones para la saga de Batman han renovado el personaje y demostrado que se puede hacer un cine de superhéroes con buenas ideas y un sentido que vaya más allá de los mitos modernos de buenos buenísimos y malos malísimos que dirimen sus diferencias a golpe de rascacielos. Eso asegurará que si hay una tercera parte, no sea un bodrio comercial.

De estos tres films, aun cuando la calidad de los tres me parece rayar a gran altura, yo destacaría sobre todo la intensidad casi insoportable de Babel, en particular por la capacidad de mostrar sus historias paralelas desde una perspectiva internacional, o para definirla con un lenguaje más actual, su capacidad de reflejar la verdadera globalización, con relatos que son a la vez particulares y comunes a toda la humanidad. En mi retina han quedado grabadas las imágenes de aquel Tokio nocturno y la expresión de soledad infinita de la portentosa actriz japonesa Rinko Kikuchi, que realmente consigue traspasar las fronteras de la interpretación para ofrecernos un pedazo de realidad en bruto. No se me ocurre un elogio más grande para esta película.

En otro orden de cosas, quisiera mencionar la presencia en esta nueva película de Arriaga de la actriz Charlize Theron. Hace poco tuve la ocasión de verla en En el valle de Elah y pensé en lo mucho que ha trabajado esta mujer espectacular para demostrar que en modo alguno se trata únicamente de un bello rostro, sino que es una verdadera actriz. Sólo nos queda esperar al estreno para comprobar si el resultado artístico de esta conjunción de talentos colma nuestra expectativas.

Dentro del ámbito cultural español, el film ha recibido críticas positivas y otras no tanto, que reprochan a Christopher Nolan su grandilocuencia, su teatralidad. En otros artículos se ha comparado la interpretación de Jack Nicholson con la de Ledger y debo decir que ésta última me parece enormemente superior. Después de ver esta interpretación, no puedo sino lamentar aún más su muerte y echar de menos los papeles que podría habernos regalado en el futuro. No existe en esta interpretación una sola gota de histrionismo de más, porque el personaje está trabajado desde sus motivaciones profundas, aunque haya que decir que ese mérito también corresponde, en muy primer término, al guión, escrito por Christopher junto con Jonathan Nolan, basado en la recreación del personaje que aparece en la recuperación que del mismo hace Frank Miller.

Una vez vista la película, por otro lado, el guión me parece, como ya se ha destacado en otras críticas, rayar a gran altura. Toda la trama trasciende con mucho el límite de las típicas historias de superhéroes, para convertirse en una representación en esperpento de la sociedad actual. Esto se hace evidente desde la misma elección de los escenarios (auténticas ciudades norteamericanas actuales, sobre todo Chicago, lejos de la negrura de, por ejemplo, Batman returns). Aunque la ciudad sigue llamándose Gotham, vemos escenas de Nueva York o Chicago con rascacielos actuales, y la trama pone en escena a fiscales, políticos, policías y la mafia con Batman y el Joker, que en ocasiones parecen incluso actores de una trama ligeramente paralela, como desplazada en ocasiones del núcleo central.

El resultado es una película notable, teniendo en cuenta que se trata de una producción comercial destinada a romper las taquillas, y que va más allá del cine de género y me recuerda sensaciones como las que pueden producir en una persona sensible Blade Runner o La naranja mecánica. Es un poco pronto para afirmar que The Dark Knight puede ocupar un lugar tan destacado como estas dos películas (en mi opinión, no llegará a ocuparlo, pero la interpretación de Heath Ledger sí permanecerá en nuestra memoria y en nuestra retina). En cualquier caso, la filiación, sobre todo con la película de Kubrick sí resulta evidente por las declaraciones del propio Nolan y otras de Kubrick referidas al personaje de Malcolm McDowell:

“Existe una identificación psicológica a un nivel básico. Él está dentro de todos nosotros y en muchos casos reconocerlo conlleva cierta dosis de empatía en la audiencia, pero al mismo tiempo hace que algunos espectadores se sientan enfadados y poco cómodos”. Eran palabras de Stanley Kubrick a la revista Sight & Sound en la primavera de 1972, a propósito del villano de su película más polémica: La naranja mecánica.

Su reflexión no ha perdido vigencia y de hecho marca el decálogo básico del malvado moderno encarnado en 2008 por Heath Ledger y El caballero oscuro (que se estrena hoy en España): “La inspiración para el Joker proviene directamente del personaje de Malcolm McDowell en La naranja mecánica”, afirmaba Christopher Nolan, director del filme. “El Joker puede ser un anarquista aunque dice muchas verdades y el espectador no puede dejar de sentir curiosidad por quién es”, acotaba Nolan.

La comparación de una de las escenas de “ultraviolencia” de la película de Kubrick revela la similitud de ambos en el espíritu que resulta tan sorprendente. Y de modo implícito, esta sorpresa que hoy nos asalta revela el carácter pionero del cine de Kubrick, ya que fue capaz de expresar hace más de 30 años lo que hoy nos parece absolutamente actual. La cuestión del mal me sugiere muchas bifurcaciones que serán el tema de otro post.

Para terminar, propongo un par de links muy interesantes acerca de The Dark Knight:

En el blog Der Umblätterer (acerca de las novedades y tendencias culturales desde una perspectiva alemana e internacional)

La página de la Wikipedia inglesa acerca de The Dark Knight, con una compilación pormenorizada (tan pronto!!) de la recepción crítica

La página de la Wikipedia inglesa acerca de la serie de películas de Batman desde sus inicios.

No podemos saberlo con certeza. Pero aparte de la vida extraordinaria, en muchos sentidos, de Mello, su papel en el film Orfeo Negro ya justificaría su ingreso en la memoria del arte. Vi la película por primera vez en televisión hace casi 20 años, creo que en aquel programa de La 2 llamado Cine Club y (yo era muy joven) aquel film me impresionó mucho y fue el acicate para que empezara a ver las películas de todos los grandes maestros de la Nouvelle Vague (aunque Camus no perteneciera nunca a esa corriente artística, ya que fue algo anterior). Camus actualizó en aquella película, desgraciadamente algo olvidada y que, después de volver a verla, sigue igual de fresca y emocionante, el mito clásico de Orfeo y Eurídice. Su versión, plena de valores artísticos y éticos, como su visión, en mi opinión, bastante libre de prejuicios de los barrios negros y pobres de Río, se inspiró en la obra “Orfeo da Conceiçao” de Vinicius de Moraes, conocido por su música, pero que en realidad fue el gran pope de un tipo de literatura brasileña a mediados del siglo XX. Esta película supuso, además, la introducción de la samba y la bossa nova en Europa y en todo el mundo. A partir de ese momento, los nombres de Antonio Carlos Jobim, Luiz Bonfa o Vinicius de Moraes se hicieron famosos y pasearon la música brasileña por todos los escenarios.

En este vídeo se resumen algunos de los momentos más destacados del film:

Uno de los aspectos que más me impresionan de esta película es la capacidad de Camus para extraer la expresividad natural de actores no profesionales, como el propio Mello, y de todos los extras que proporcionan el verdadero ambiente al film. Por otro lado, la ciudad de Río se convierte en un personaje más, presente con su Carnaval luminoso y sus barrios ricos y pobres, hermanados en un continuo de baile y música. Toda la alegría del carnaval está, sin embargo, embebida de una gran tristeza (como nos muestra uno de los temas más famosos “A felicidade”) y de la presencia de la muerte, que alcanzará al final a Eurídice y Orfeo. Una historia de amor eterno perseguido por la muerte implacable, imbuida de una atmósfera de una melancolía de extrema belleza.

No he leído aún el libro, por lo que me reservo mi opinión, pero me parece interesante el propósito que declara D’Almeida: intenta desenmascarar “el mecanismo del pelota, del lameculos, que hace que la gente pierda de vista sus valores morales.” En mi opinión, este mecanismo funcionó a pleno rendimiento en la Alemania nazi y produjo el desastroso efecto del encanallamiento y la ceguera ante la desmesura de la barbarie que impidió una reacción interior más eficaz ante el horror. Creo que aún no se han estudiado con rigor suficiente los mecanismos psicológicos colectivos de los alemanes entre 1933 y 1945; arrojar algo más de luz sobre este proceso permitiría comprender mejor el verdadero significado del régimen nazi y prevenir su reproducción en el futuro. En este contexto, es curioso que D’Almeida descalifique la operación Walkiria, el intento de asesinato de Hitler el 20 de julio de 1944 por parte de militares de alta graduación como “pura supervivencia entre depredadores. ‘En realidad, sólo pensaban que Hitler los llevaba a la derrota y que tenían que eliminarle’”. Con algunos matices, creo que aunque es cierto que los participantes en aquel atentado fueron militares aristócratas, sus intenciones iban más allá de esa imagen de pura supervivencia y lucha bestial por el predominio del depredador en la manada, si bien es cierto que los conjurados no pueden ser, ni mucho menos, sospechosos de bolchevismo. La complejidad de los hechos se refleja parcialmente en el recuento del último superviviente de la operación Walkiria, Philipp Freiherr von Boeselager, en su libro Queríamos matar a Hitler (Ariel).

Otras novedades sobre el mismo tema son Nazis y buenos vecinos (Machado Libros), de Max Paul Friedman, sobre el maltrato de los estadounidenses a los alemanes en América; una biografía de Leni Riefensthal, la cineasta de los nazis, de Circe; Dictadores (Tusquets), la comparación entre Stalin y Hitler realizada por Richard Overy y Conversaciones con Albert Speer (Destino), recopiladas por Joachim Fest, uno de los más respetados biógrafos de Hitler (Joachim Fest, Hitler: una biografía, Planeta). En otro post, escribiré en detalle acerca de esta biografía y su traducción, que lamentablemente presenta graves defectos que dificultan en gran medida su lectura.

En este contexto de los procesos psicológicos de los alemanes durante el nazismo, me ha resultado especialmente interesante la entrevista en El Mundo a Bruno Ganz (el actor suizo que interpretó a Hitler en El hundimiento, por cierto basada en el libro homónimo de Joachim Fest), en la que afirma que “Alemania ya puede ver en Hitler no sólo al ser diabólico sino la persona”. Ganz ha recibido un homenaje precisamente en el Hay Festival de Gales y ha declarado lo siguiente:

P. Un intento de recrear un Hitler real, quiere decir, en las antípodas de ‘El gran dictador’…

R. Exacto. Era hora de dar una visión diferente de la de Chaplin. Su película es una obra maestra, por supuesto, pero tiene la estética de aquel periodo y había llegado el momento de hacer otra cosa.

P. ¿No se arrepiente de haber creado un Hitler que inspira compasión? Cuando uno ve ‘El hundimiento’, no puede evitar sentir pena por ese hombre solo, viejo, vencido y traicionado por sus hombres de confianza en sus últimos días.

No. No me arrepiento. Creo que Alemania es hoy lo suficientemente madura como para ver en Hitler no sólo el personaje diabólico sino también la persona que hay detrás de él. En este punto, uno tiene que examinar lo que los testigos dicen de él.

P. Se refiere a quienes estuvieron en el búnker con él.

R. Sí. Muchos han escrito su experiencia en libros que uno puede leer y todos tienen una fascinación por el personaje y dicen que en muchos momentos tenía un lado tremendamente humano. No soporto esa visión radical sobre él que lo pinta como si fuera el diablo.

P. Pero lo era… R. Sí, pero siempre he creído que debía de haber algo ahí que atraía a las personas cercanas más allá de la ideología y desde luego ese sentimiento ha influido mucho en la forma en la que lo he interpretado.

P. ¿No cree que para los alemanes fue siempre más fácil demonizar a Hitler que aceptar su propia responsabilidad en el Holocausto?

R. Es probable. Para aquellos que lucharon en la guerra con uniformes nazis era mucho más fácil crear una caricatura de Hitler y pensar de alguna manera que ellos no eran culpables. Decir algo así como: “Lo único que hicimos fue seguir a un demonio. No tiene nada que ver con nosotros como pueblo o como nación”.

Las dos ideas fuerza de esta entrevista son la imagen de Hitler (la compasión que puede inspirar su figura humana) y la posición de los alemanes con respecto a él. Ahí radica precisamente la dificultad y la complejidad del asunto para emitir un juicio que trate de evitar la mediatización y los caminos trillados del pensamiento. Para mí, el hecho de ver a un Hitler humano no implica dejar de condenarle por sus crímenes atroces, sino que significa ser consciente de que sus actos no tienen nada de inhumano o diabólico; son, desgraciada y ya inevitablemente, los actos de un ser humano, con todas las implicaciones de esta afirmación. Este es, para mí, el punto realmente terrorífico de Hitler, su radical humanidad, aunque deformada hasta su completa “Verzerrung”. Por otro lado, la relación de los alemanes con la figura de Hitler es el otro polo de atracción al que apunta Ganz: la descalificación del dictador como diabólico ha impedido hasta ahora reflexionar en profundidad sobre la propia responsabilidad de las personas en tanto que sujetos activos y pasivos de la historia, aunque ya ha habido numerosos debates sobre esa responsabilidad. Parece que siempre existe un poso último que se escapa a la aprehensión. Un tema apasionante que sólo hemos empezado a vislumbrar.

Es esta una historia silenciosa y quizás sobrecargada de sentimientos y emociones ocultas, reprimidas en su mayoría. También uno de sus films más intensos, desde luego. Me resulta curioso compararlo con la que sería su siguiente película: “Escenas de un matrimonio” (1974), en la que aparecen como matrimonio los dos actores Liv Ullmann y Erland Josephson, que aquí son o han sido amantes.

Antes he escrito “silencio”, y es sintomático que en la primera y larguísima escena de la película no se pronuncie una sola palabra durante los primeros 7 minutos largos de proyección, algo impensable en una obra de cine de nuestros días. Merece la pena contemplar la escena con detenimiento, pues a eso nos obliga Bergman, a contemplar y SENTIR, sin el impedimento de las palabras, el tremendo dolor de la protagonista que va a empezar su agonía, y la plomiza opresión de la soledad e incomunicación de las tres hermanas.

Es curioso que los padres se hayan eliminado de la historia; tan sólo existen breves flash-backs con algunas escenas de infancia de las protagonistas, en las que se define el contexto familiar, la historia de un alejamiento progresivo a cuyo resultado asistimos durante la agonía: tres mujeres diferentes, extrañadas e incapaces de comunicar sus sentimientos, sobre todo la hermana mayor Karin, presa de un matrimonio tan insatisfactorio que la única respuesta posible para soportarlo ha llegado a ser una negación de su sexualidad que la empuja incluso hasta la autolesión (es inolvidable la escena en que, seguramente para herir indirectamente a su marido, la hermana se clava un vidrio roto en la vagina). La hermana pequeña Maria, sin embargo, ha escapado a un matrimonio insatisfactorio recurriendo a la infidelidad con el médico de la familia, un novio de adolescencia, al que sigue intentando seducir. Agnes, la hermana agonizante, recuerda fragmentos de aquella infancia y adolescencia mientras trata desesperadamente de recuperar la relación con sus hermanas ante la muerte que se aproxima. Pero morirá sin haberlo conseguido. Ahí aparece Anna, la fiel criada de la familia, que permanece con ella en los momentos más duros de la agonía, en la que se manifiesta la ominipresencia del dolor con toda su realidad corpórea inaplazable: hemorragias, vómitos, dolores insoportables, frente a los cuales sólo permanece a su lado la criada que representa la compasión maternal. Incluso tras la muerte, ninguna de las dos hermanas acude a la llamada postrera de la muerta y sólo Anna permanecerá a su lado proporcionando el consuelo para su paso al otro mundo.

DOS ASPECTOS DESTACABLES:

La presencia constante de la religión en Bergman: sus orígenes, su padre pastor, y la tremenda impronta que han dejado esos temas en su personalidad. Es el aspecto que, desde un punto de vista contemporáneo, le hace algo “antiguo”. Recuerdo lo que me molestaba la insistencia en el aspecto religioso en “Fanny y Alexander”, con el recurso a esas presencias fantasmales de los niños antes de escaparse o del obispo que sigue presiguiendo a Alexander tras su muerte. Pero es un aspecto inseparable de la visión del mundo de Bergman.

Otro tema importante es la famosa escena en que las dos hermanas vivas empiezan a acariciarse desesperadamente para tratar de recuperar su intimidad. Pero a pesar de la importancia de ese episodio, lo que me parece más determinante es la escena de la despedida al día siguiente en que la hermana mayor intenta seguir con aquella intimidad, mientras que la hermana pequeña, voluble e inconstante, ha vuelto ya a su ser anterior, y está de nuevo tan distante como de costumbre. Su acercamiento ha sido tan sólo un momento, “eine Laune” (un estado de ánimo momentáneo), dentro de su volubilidad e inconstancia. La hermana mayor, sin embargo, había iniciado un cambio verdadero, es más genuina, y al igual que antes estaba completa y sinceramente cerrada, ahora también es sincera en su cambio y en su intento de apertura. Pero el final es desolador: el acercamiento real no es posible, lo único que queda es aquel breve momento que, como la vida misma, es sólo un aliento momentáneo en la inmensidad del tiempo. Queda la muerte de la hermana y la familia extrañada. La criada, tras su entrega desinteresada, es despedida, lo que subraya aún más la insensibilidad de la familia burguesa. El único aspecto positivo es la abnegación limpia de Anna, que parece mitigar un poco el retrato inmisericorde del alma humana que extiende Bergman ante nuestros ojos.

También comparto el interés de Ibáñez por la ciencia-ficción en general, y su misma extrañeza por el rechazo que una parte de la cultura biempensante de la generación anterior, que él califica de “tándem crítico-racionalista-ilustrado-politizado”, tiene por este género. Creo que la ciencia-ficción, por la que me he sentido influenciado fuertemente, habla sobre temas que nos conciernen de un modo profundo como seres humanos y a los que muy pronto nos veremos confrontados, probablemente mucho antes de lo que pensamos. Para mí, estos temas son tan “reales” como los problemas políticos que priorizaba la generación de nuestros padres. Ello no significa que nuestra generación, por lo menos por lo que a mí respecta, esté alejada de la realidad y carezca de compromiso con la política, pero este compromiso se manifiesta de una manera ciertamente diferente. Sí que me sorprende que el pequeño Andrés pudiera percibir con ocho años la importancia de aquella obra. Yo la vi en la adolescencia y recuerdo precisamente esa misma “confusión” de la que habla mezclada con la certeza de hallarme ante una obra capital. Un sentimiento muy similar me asaltó tras la contemplación de La naranja mecánica, proyección de la que salí profunda e íntimamente revuelto, con un sentimiento de asco físico y rabia incontenible que no acertaba a explicar.

Dentro de las películas imprescindibles que destaca, yo subrayaría, sobre todo, Blade Runner y también, aunque aún no exista una perspectiva suficiente para enjuiciarla, Matrix. De Blade Runner celebramos hace poco la salida del Final Cut y espero dedicarle otro post especial.

Para mí, la importancia de 2001 radica en que trata temas metafísicos y eternos desde una perspectiva futura que los acerca a nosotros desde un ángulo absolutamente novedoso. El problema de la inteligencia artificial, que Kubrick fue capaz de percibir de una manera tan intensa en 1968 (de ahí su genio indiscutible), será actualidad dentro de muy pocos años y el hombre, como especie, deberá plantearse ineludiblemente su relación con unas máquinas cada vez más humanas y más poderosas (éste es precisamente el planteamiento que convierte en imprescindible, además de rabiosamente bella, la visión de Blade Runner).

No obstante, en la interpretación que aporta Ibáñez:

El mono que aprende a usar sus manos en la secuencia inicial, el astronauta que viaja al interior de su mente y el feto de una nueva criatura que flota en el espacio son una y la misma criatura: la evolución de un sólo individuo.

desearía añadir una nueva perspectiva. En mi opinión, la evolución no es, o no es exclusivamente, la de un solo individuo, sino la de toda la especie. El individuo, uno y plural, ser individual o símbolo de su especie, que debe intentar ese tercer salto evolutivo sin el que nuestra civilización estará abocada a la destrucción o la decadencia. Únicamente no comulgo, a pesar de su evidente belleza, con la interpretación, digamos “esotérica”, que ofrece Ibáñez en su conclusión. Las coincidencias son siempre estimulantes y creativas, pero quisiera tratar de aproximarme a lo sagrado desde el escepticismo más radical. Deben ser los restos de la mentalidad crítica y racionalista que se me inculcó…

Veamos para terminar una de las escenas más “incomprensibles y confusas” de la película, a la que creo que acompaña el Requiem de Gyorgy Ligeti. Quizás se nos ocurra alguna interpretación insospechada… Ya más en serio, estoy seguro de que así debe ser, de que estas escenas no han agotado todo su poder semiológico y que su visión es una fuente de inspiración: